Resident Evil 5: Venganza

 

 

   FICHA TÉCNICA

Película: Resident evil: Venganza.

Título original: Resident evil: Retribution.

Dirección y guion: Paul W.S. Anderson.

Países: Alemania y Canadá.

Año: 2012.

Duración: 95 min.

Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico, terror.

Interpretación: Milla Jovovich (Alice), Sienna Guillory (Jill Valentine), Boris Kodjoe (Luther), Michelle Rodriguez (Rain Ocampo), Johann Urb (Leon), Li Bing Bing (Ada Wong), Kevin Durand (Barry), Oded Fehr (Todd/Carlos).

Producción: Paul W.S. Anderson y Jeremy Bolt.

Música: Tomandandy.

Fotografía: Glen MacPherson.

Montaje: Niven Howie.

Diseño de producción: Kevin Phipps.

Vestuario: Wendy Partridge.

Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El mundo sigue siendo devastado por el virus creado por Umbrella y que continua extendiéndose y haciendo que la gente se convierta en zombies. Alice despierta en las instalaciones de Umbrella y deberá seguir encontrando pistas sobre el origen de todo.

   LO MEJOR: Tiene mucha, pero que mucha acción. A los amantes del ritmo desenfrenado les gustará porque éste se mantiene muy alto durante todo el metraje, con muy pocos descansos. Además, visualmente se hace muy vistosa pues la recreación de escenarios (bastante espectaculares) es muy variada. De hecho, es la entrega de la saga cuyo esquema es más parecido al videojuego en el que se van pasando de una pantalla a otra. Las secuencias de acción son sumamente elaboradas con coreografías a cámara lenta muy cuidadas. Y se hace una especie de homenaje al resto de la saga con apariciones de personajes, escenarios y criaturas de las predecesoras.

   Interpretación: Milla Jovovich sigue estando genial como prototipo modernizado de la Ripley de Sigourney Weaver. Hago esa comparación porque el personaje de Alice es tan de Jovovich como Ripley de Weaver. Además, el apartado femenino está muy bien cubierto con Sienna Guillory y Michelle Rodriguez, y solo hubiera faltado la guinda con Ali Larter. Por cierto que Sienna Guillory está tan apabullantemente sexy como Milla Jovovich.

   Escena (spoiler): La película está repleta de escenas de calado muy espectacular. La secuencia con la que comienza es la misma que con la que termina la cuarta parte pero hacia atrás, es decir, como rebobinándola, y aunque sea un efecto muy simple, me ha gustado bastante. Luego hay múltiples luchas como la que protagoniza Alice repartiendo estopa con una cadena o enfrentándose a esas criaturas de las hachas enormes. Y, por supuesto, el combate final con Jill Valentine.

   LO PEOR: Lo que es la trama pasa a un segundo plano, haciendo que el argumento sea prácticamente inexistente. Al igual que el desarrollo de los personajes casi nulo. Todo para dejar espacio a una escena de acción tras otra sin apenas narración. Esa obsesión por lo estético y visual le hace caer en un abuso de los trucajes digitales que parece más un videoclip. Y es que la fórmula parece agotarse y deberían ir pensando en darle un final digno a la franquicia.

   CITAS: “Nada de esto es real”. “Umbrella es más fuerte que nunca y solo nosotros podemos detenerla”.

   REFERENCIAS: Pues no pueden ser otras que las de la propia saga a la que, ya digo, homenajean, quizá buscando el camino hacia el desenlace final.

   CONCLUSIÓN: 7. Es acción y nada más, pero acción verdaderamente trepidante.

  

Escenas Míticas: Tarantino - Pulp Fiction

 

   Supuso la confirmación y posterior consagración de Tarantino como director de talento. Más si cabe tras ser nominada la película en siete disciplinas y competir codo con codo con "Forrest Gump". Ésta le ganaría la partida pero si conseguiría llevarse la estatuilla al guión original, como no, firmado por él mismo. Un guión segmentado en varias historias entrelazadas y desordenadas temporalmente. Ésta vez contó con un reparto estelar.

 

    Samuel L. Jackson interpretó a Jules, papel por el que fue nominado. Samuel se ha convertido en uno de los actores fetiche del director que ha aparecido en cuatro de sus siete películas hasta la fecha. Respecto a la escena, resaltar la frialdad de los dos matones antes de liquidar a todo el mundo.

 



 

   El restaurante en el que se desarrolla esta parte de la película es todo un homenaje al cine clásico. Tarantino le brindó a Travolta una secuencia de baile con la que poder lucirse y que ya es un icono de este film.

   

 

 

   Asistimos a la primera colaboración de Uma Thurman con él, preludio de su protagonismo años más tarde en "Kill Bill". La escena rebosa de su humor negro característico. Por cierto, rescató a John Travolta del ostracismo en el que se hallaba sumido. Ésta interpretación le valió una nominación al oscar.



 

 

   Bruce Willis rebajó su sueldo para poder participar en el film, un actor de reputado caché. La escena es, aunque con cierto aire cómico, sumamente violenta. Atención al detalle de la aparición de la katana como arma protagonista. Luego lo sería mucho más en "Kill Bill", como ya vimos la semana pasada.

 

 

 

   Nuevamente tenemos el escenario de la cafetería y nuevamente la escena en la que los personajes se apuntan con sendas armas de fuego. También repite Tim Roth como parte del reparto, aunque con un papel mucho más secundario que en su anterior participación con Quentin. Éste es el final de la película pero no el de la historia porque como sabéis, el orden de las escenas no es lineal.

 

    Como habréis podido advertir soy muy fan de este director y, por lo tanto, he disfrutado haciendo esta sección durante este mes. Habría puesto más películas y más escenas pero esto es lo que hay. Lo que nadie puede negar es que Tarantino es uno de los directores más influyentes de la industria cinematográfica moderna y que su obra no está exenta de calidad a juzgar por las cuantiosas nominaciones y oscars de sus películas.

Oscars 2013

 

 

MEJOR PELÍCULA “Argo”, de Ben Affleck.
MEJOR DIRECTOR Ang Lee, “Una aventura extraordinaria” (Life of Pi).
MEJOR ACTOR Daniel Day-Lewis, “Lincoln”.
MEJOR ACTRIZ Jennifer Lawrence, “El lado bueno de las cosas” (Silver linings playbook).
MEJOR ACTOR DE REPARTO Christoph Waltz, “Django desencadenado” (Django unchained).
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Anne Hathaway, “Los miserables” (Les misérables).
MEJOR GUIÓN ORIGINAL “Django unchained”.
MEJOR GUIÓN ADAPTADO “Argo”.
MEJOR PELÍCULA ANIMADA “Valiente” (Brave).
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA “Amor” (Amour).
MEJOR DOCUMENTAL “Searching for sugar man”.
MEJOR DOCUMENTAL CORTO “Inocente”.
MEJOR CORTOMETRAJE “Curfew”.
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO “Paperman”.
MEJOR BANDA SONORA “Una aventura extraordinaria” (Life of Pi).
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL Skyfall “Skyfall”
MEJOR EDICIÓN DE SONIDO “La noche más oscura” (Zero dark thirty) y “Skyfall”
MEJOR MEZCLA DE SONIDO “Los miserables” (Les misérables).
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN Lincoln.
MEJOR FOTOGRAFÍA “Una aventura extraordinaria” (Life of Pi).
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA “Los miserables” (Les misérables).
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO “Anna Karenina”.
MEJOR MONTAJE “Argo”.
MEJORES EFECTOS VISUALES “Una aventura extraordinaria” (Life of Pi).

   Pues como podéis ver los Oscars han estado muy repartidos, lo que contribuye a darle un poco de juego a más películas y no que haya una que se lleve ocho o nueve. Ha habido bastantes sorpresas y, como es natural, alguna decepción.

   Comencemos por las sorpresas, como ha sido “Argo” en la mejor película por delante de “Lincoln” que partía como favorita. Más sorpresa todavía la de Ang Lee como mejor director, más si cabe cuando después no se lo llevara su película. En la categoría de mejor actriz yo apostaba por Jessica Chastain pero se lo ha llevado la joven Jennifer Lawrence, también sorpresivamente.

   Vayamos con lo ya esperado, como es el caso del segundo Oscar como guionista de Tarantino con su “Django desencadenado”y el de Christophe Waltz como mejor actor de reparto por segunda vez también y con una película del mismo director que le proporcionó el primero (agradecido estará), y de lo cual me alegro. Si me esperaba también el de Anne Hathaway por su papel en “Los miserables”. Y el más cantado de todos era el de Daniel Day-Lewis como actor principal por “Lincoln”, que ya suma tres Oscars en su repertorio (casi nada). Me ha gustado que “The brave” haya ganado como película de animación, de la cual ya hablamos en este blog en su momento. Y me ha resultado curioso que “La hora más oscura” y “Skyfall” hayan compartido premio (Edición de sonido). No veo yo que pudiera ocurrir lo mismo con uno de los Oscars principales como película, director o alguna de las interpretaciones.

   En definitiva, podría decirse que las triunfadoras han sido “Argo” y “La vida de Pi” con tres y cuatro estatuillas respectivamente. Y la gran decepción correspondería a “Lincoln” con doce nominaciones y solo dos premios. Pero como ya decía, todo muy repartido.

Sin frenos

 

   FICHA TÉCNICA

Película: Sin frenos.

Título original: Premium rush.

Dirección: David Koepp.

País: USA.

Año: 2012.

Duración: 90 min.

Género: Acción, thriller.

Interpretación: Joseph Gordon-Levitt (Wilee), Michael Shannon (Bobby Monday), Dania Ramirez (Vanessa), Aasif Mandvi (Raj), Jamie Chung (Nima), Wolé Parks (Manny).
Guión: David Koepp y John Kamps.

Producción: Gavin Polone.

Música: David Sardy.

Fotografía: Mitchell Amundsen.

Montaje: Derek Ambrosi y Jill Savitt.

Diseño de producción: Thérèse DePrez.

Vestuario: Luca Mosca.

Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Wilee es un mensajero que va en bicicleta para entregar los paquetes en sus destinos. Un día recibe el encargo de llevar un sobre. A partir de ahí será perseguido por toda la ciudad sin saber porque.

   LO MEJOR: Si alguien pretende  sentarse a ver una película entretenida sin mayores pretensiones, ésta no es una mala elección. El objetivo de entretener lo cumple perfectamente. Tiene un ritmo trepidante, con unas secuencias de acción bastante bien llevadas. Además te lleva de una a otra de forma muy dinámica sin parecer  excesivamente revolucionada. Muy curiosas son las recreaciones de las rutas a través de un gps virtual que nos pone en situación. Y a los que no les entusiasme la violencia no tendrán problema pues el film apenas tiene, incluso se permite bastantes toques de humor.

   Interpretación: El reparto cuenta con uno de los actores más prometedores del momento (más después de su participación en “El caballero oscuro: la leyenda renace”), Joseph Gordon-Levitt. Aunque como interpretación tampoco es que sea demasiado destacable, pues el guión no ofrece esa posibilidad. Y cuenta con un secundario que me parece más que digno, Michael Shannon, que si tiene un papel para lucirse algo más.

   Escena (spoiler): Ya decía que la película ofrece secuencias bastante majas. Es su fuerte. Varias persecuciones con bicicletas y coches que están muy bien resueltas, como la carrera que le hace el protagonista a su compañero con el que está picado, por media ciudad o la exhibición de trial en el garaje de la policía. Pero me han gustado los momentos que Gordon-Levitt se para y analiza en milésimas de segundo todas las posibles trayectorias para salir de situaciones difíciles (inverosímil pero chulo).

   LO PEOR: Es muy entretenida pero no le pidáis más porque no lo tiene. El guión tiene muy poca profundidad. Prácticamente se basa en la sucesión de carreras que se dan los personajes por toda la ciudad. Y aunque eso pueda resultar visualmente muy vistoso, la trama adolece de simpleza. Un poco de atrevimiento en este terreno le hubiera dado más cuerpo a la película, y no quedarse tan solo en un buen pasatiempo.

   CITAS: “- ¿Tienes familia, alguien que te echara de menos si no volviera a verte? - ¿Quién eres?”. “Tarde o temprano recibimos un porrazo. Y a veces hay que devolver el golpe”.

   REFERENCIAS: Me recuerda a esas películas ochentenas de tinte juvenil en las que los personajes van de un lado a otro en distintos medios de transporte como aquella “Al filo del abismo”, protagonizada por Christian Slater como un skater.

   CONCLUSIÓN: 7. Buen entretenimiento sin pretensiones de ninguna clase.

 

 

Música de Película: Kill Bill.

   Hay mucho donde elegir en cuanto a música en esta película. Veamos tres temitas.

 

Tema: Lonely Shepherd.

Película: Kill Bill

Interprete o compositor: Gheorghe Zamfir.

 

 

Tema: L'Arena.

Película: El mercenario, Kill Bill.

Interprete o compositor: Ennio Morricone.

 

Tema: Goodnight moon.

Película: Kill Bill.

Interprete o compositor: Shivaree.

Dredd

 

   FICHA TÉCNICA

Película: Dredd.

Dirección: Pete Travis.

País: Reino Unido.

Año: 2012.

Duración: 98 min.

Género: Acción, ciencia-ficción.

Interpretación: Karl Urban (juez Dredd), Lena Headey (Ma-Ma), Olivia Thirlby (Anderson), Wood Harris (Kay), Langley Kirkwood (juez Lex), Junior Singo (Amos), Luke Tyler (Freel), Jason Cope (Zwirner), Domhnall Gleeson (Clan Techie), Warrick Grier (Caleb).

Guión: Alex Garland; basado en los personajes creados por Carlos Ezquerra y John Wagner.

Producción: Alex Garland, Andrew Macdonald y Allon Reich.

Música: Paul Leonard-Morgan.

Fotografía: Anthony Dod Mantle.

Montaje: Mark Eckersley.

Diseño de producción: Mark Digby.

Vestuario: Michael O’Connor y Diana Cilliers.

Distribuidora: Aurum.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En un futuro no demasiado lejano, la gente vive en megaciudades rodeadas de desiertos asolados por la radiactividad. Para instaurar el orden están los Jueces. Dredd es una leyenda entre ellos. Cuando investiga un asesinato, junto a una jueza novata, en el interior de un edificio controlado por un clan criminal, se ven envueltos en una trampa mortal.

   LO MEJOR: Aviso que no se tome como referencia la anterior adaptación del comic. Tanto estética como argumentalmente no tiene absolutamente nada que ver con la que nos ocupa. Para empezar se trata de una película extremadamente violenta que deja a la predecesora a la altura de Walt Disney. Visualmente el film es muy potente, a los esbozos generales de la recreación de la ciudad se une la del edificio en el que se desarrolla la acción, más apocalíptica que futurista. Muy conseguido este aspecto creando un escenario asfixiante y claustrofóbico (a pesar de las dimensiones del propio). Además se utiliza el sonido como efecto potenciador de esa sensación. Es todo muy heavy.

   Interpretación: Teniendo en cuenta que el protagonista no se quita el casco en ningún momento, no se podía escoger una estrella para el papel, pero Karl Urban, aún así, está correcto y consigue darle el tono de dureza necesario al personaje. Por otro lado, Olivia Thirlby no ejerce de mera comparsa y compone un personaje bastante interesante para la trama. Y Lena Heady está impagable como villana. Solo fijaros en sus diálogos y el tono de voz empleado en cada uno de ellos.

   Escena (spoiler): Me ha sorprendido bastante el truco de la cámara superlenta para hacer el efecto de la droga de moda en la historia. Sobre todo en la parte final (escena Lena Heady). Impresiona también el momento en el que cierran a cal y canto el edificio. Y es sobradamente espectacular la secuencia en la que cargan con unas ametralladoras descomunales contra el Juez Dredd, destruyendo varios pisos.

   LO PEOR: Me gusta mucho el atrevimiento del director de adoptar este enfoque tan fuerte. Pero quizá eso le iría más como una película orientada a la serie B. Sin embargo, como superproducción, puede que se hayan cargado las tintas demasiado. Y es justo advertir que hay escenas bastante explícitas que puede que resulten excesivas o desagradables para mucha gente. Un buen ejemplo sería la escena del interrogatorio alucinatorio al que someten al prisionero, con generosas alusiones sexuales y sangrientas.

   CITAS: “- Sabes cuantos jueces hemos tenido en Peach Trees? – Pues ya tienes uno”. “- Hay dos jueces en este bloque. Los quiero muertos”.

   REFERENCIAS: Lo normal sería compararla con “Juez Dredd” de Stallone, donde se quiso hacer una película de ciencia-ficción con Dredd como protagonista pero no tenía nada que ver con él. En ésta se trata de un día en la vida del personaje, sin más pretensiones. Tiene mucho de serie B y del estilo del comic destroyer. El argumento me ha recordado a una película indonesia que ví hace poco llamada “Redada asesina”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Muy buena adaptación, mucho mejor que la anterior.

 

 

Escenas Míticas: Tarantino - Kill Bill

   En mi opinión es el film más "friki" del director hasta la fecha. Contiene innumerables referencias a un montón de películas de género de las de antes, como pueden ser las de kung fu (en especial las de Bruce Lee), al comic, etc. Ésto se hace más palpable en una mezcla de géneros que maneja sin complejos, sobre todo entre el western y el cine oriental de artes marciales. Y se vuelve a prescindir de una banda sonora original, sutituyéndola por una selección de temas marca de la casa.

 

   En esta parte del Volúmen 1, cuando "la novia" se enfrenta a los 88 maníacos se advierte más marcadamente la tendencia al cine oriental. Es más, esta escena contiene unos elementos y una estética muy del manga, incluída Chiaki Kuriyama (Gogo) vestida de colegiala. Y el mono amarillo que lleva Uma Thurman es claramente en homenaje a Bruce Lee en "El juego con la muerte".

 



 

 

   En el combate final contra Lucy Liu, la constante estética asiática sigue imperando, aunque fijaos en el decorado y la ambientación que cambian radicalmente del que se venía dando. Parecen hasta de películas diferentes. Vemos que Tarantino ha sustituído los tiroteos por los combates a katana, dándole u tono más épico.

 



 

 

    Chia Hui Liu (he tenido que mirarlo, no creáis que me lo sabía) interpreta a Pai Mei. Está impagable en el papel de maestro con muy mala leche. Llama la atención su caracterización con esa barbita postiza. Hay muchos de estos supuestos fallos en el cine de Tarantino pero en realidad homenajea la forma en que se hacían antes las películas. Otro ejemplo serían los defectos en la imagen que muchas veces se dan (Death Proof).

 



 

 

   Ennio Morricone es un compositor del cual Quentin toma muchos temas, como este de "L'Arena", extraído del "El mercenario" con el que hace un guiño al spaguetti western. Como se puede apreciar, Uma Thurman está omnipresente en todas las escenas como protagonista total. No os perdáis el detalle de "Evil dead" al salir de la tierra.

 



 

 

   Quien hubiera imaginado a Daryl Hannah en un papel y una escena como ésta. Ésto es un clásico en el cine del director, colocar a actores en papeles insospechados. El combate es muy violento, casi duelen los golpes que se dan. Y como no, con sus excesos, como es el destino del ojo sano de Elle Driver.

 

 

 

    Como ya comentaba la semana pasada, en lo de rescatar viejas glorias o actores antes consagrados pero casi olvidados, es algo en lo que Tarantino  se ha hecho un experto. Es el caso de David Carradine, el mítico protagonista de la serie "Kung fu". L única pega de la escena es que para ser el final de toda la historia es muy espectacular que digamos.

The Possession: el origen del mal

 

   FICHA TÉCNICA

Película: The possession (El origen del mal).

Título original: The possession.

Dirección: Ole Bornedal.

País: USA.

Año: 2012.

Duración: 92 min.

Género: Terror.

Interpretación: Jeffrey Dean Morgan (Clyde), Kyra Sedgwick (Stephanie), Natasha Cali (Em), Madison Davenport (Hannah), Grant Show (Brett).

Guión: Juliet Snowden y Stiles White.

Producción: Sam Raimi y Robert G. Tapert.

Música: Anton Sanko.

Fotografía: Dan Laustsen.

Montaje: Eric L. Beason.

Diseño de producción: Rachel O’Toole.

Vestuario: Carla Hetland.

Distribuidora: DeAPlaneta.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un padre de familia que se encuentra separado de su mujer, comparte la custodia de sus hijas con ella. En una ocasión su hija menor se encapricha de una misteriosa caja que el padre termina comprando. A partir de ahí, empezarán a suceder cosas muy extrañas.

   LO MEJOR: No vamos a decir que aporte grandes sorpresas porque todo nos suena a ya lo hemos visto antes, pero si debo reconocer que hay algunas escenas muy impactantes, sobre todo en como están rodadas. Y es que en la producción está Sam Raimi y eso se nota en una factura técnica muy digna en el plano estético y visual. Además se hace un correcto desarrollo de los personajes, mostrando la situación conflictiva (típica) del matrimonio y la relación con las hijas. Y no cae reiteradamente en el susto fácil provocado por la súbita subida del volumen para sobresaltar. De hecho, las escenas se van dosificando adecuadamente.

   Interpretación: La película no da para grandes interpretaciones, esa es la verdad. Aunque si podemos apreciar que Jeffrey Dean Morgan es un actor competente que lleva el papel con corrección, sin necesidad de gesticulaciones excesivas y aspavientos, lo que ayuda a hacer verosímiles algunas reacciones a determinadas situaciones. Por lo demás, nada que reseñar.

   Escena (spoiler): La primera escena del film cumple su función de impresionar. Se entra pisando fuerte en ese sentido, aunque después haya que esperar bastante para volver a impresionarse. Es en la fase final en la que en la que el director se reserva una batería de secuencias en la que saca el repertorio terrorífico, sobre todo en lo visual. La parte más destacable sería la que se desarrolla en el hospital.

   LO PEOR: El género de terror en cuanto a exorcismos y posesiones se refiere está trilladísimo y todas estas películas no tienen ningún pudor en calcarse unas a otras. Uno de los puntos negativos del film es que en su empeño de dosificarse (lo cual no me parece mal) hace que te tires la primera mitad de la película sin pasar ningún miedo. Incluso, en ciertos momentos, adopta el aspecto de un telefilm corriente. Por cierto, como siempre he puesto el trailer pero a quien no le guste que le destripen las mejores escenas, le recomiendo que no lo vea (hay trailers que no los entiendo).

   CITAS: “Quien la hizo no quería que nadie la abriera”. “Cuando la caja se abre hay muertes”

   REFERENCIAS: Como tantas otras, está al abrigo de “El exorcista”. Algunas escenas recuerdan a “Arrástrame al infierno” (del productor de ésta, Sam Raimi). Pero sería un cruce entre “Exorcismo en Connecticut” y “Devil inside” (sin el rollo cámara subjetiva claro).

   CONCLUSIÓN: 6´5. Otro ejemplo más de cine de exorcismos y posesiones.

  

Música de Película: Tiburón y Reservoir Dogs

   Diría que la música es vital en el cine. No puedo imaginarme una película sin música. Por eso he pensado en esta sección "Música de Película" en la que os iré poniendo fragmentos de Bandas Sonoras Originales o bien temas musicales que aperezcan en el film. Intentaré que vayan en relación con alguna de las críticas de la semana o con la temática de "Escenas Míticas" del mes. Pero otras veces no tendrá que ver.

   Y como no comenzar con ésta, dada la estética de este blog no podía inaugurar la sección otra.

Tema: BSO Jaws main theme.

Película:Tiburón.

Intérprete o compositor: John Williams.

 

   Y como ésta semana hemos puesto "Reservoir Dogs" en escenas, aquí su tema más conocido.

 

Tema: Little green bag.

Película: Reservoir Dogs.

Intérprete o compositor: George Baker.

   Espero que os guste.
 

Django desencadenado

 

   FICHA TÉCNICA

Película: Django desencadenado.

Título original: Django unchained.

Dirección y guión: Quentin Tarantino.

País: USA.

Año: 2012.

Duración: 165 min.

Género: Western.

Interpretación: Jamie Foxx (Django), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Kerry Washington (Brommhilda), Samuel L. Jackson (Stephen), Walton Goggins (Billy Crash), Dennis Christopher (Leonide Moguy), Don Johnson (Big Daddy), James Remar (Butch Pooch / Ace Speck), James Russo (Dicky Speck), Franco Nero (Amerigo).

Producción: Pilar Savone, Stacey Sher y Reginald Hudlin.

Fotografía: Robert Richardson.

Montaje: Fred Raskin.

Diseño de producción: J. Michael Riva.

Vestuario: Sharen Davis.

Distribuidora: Sony Pictures

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Django es un esclavo que es liberado por un caza recompensas alemán a condición de que le ayude a encontrar a unos tipos que está buscando. Tras colaborar durante algún tiempo dando caza a diversos forajidos, se embarcan en la misión de liberar a la esposa de Django.

   LO MEJOR: Tarantino ha vuelto a conseguirlo. Le importa bien poco el género a utilizar, él hace su película y luego la enmarca en el género que se haya propuesto usar. Pero sus señas de identidad no se pierden. Es fácil reconocer su estilo en la película. Aunque, a modo de homenaje, extrae muchos elementos de otras fuentes, generalmente clásicas, su producto final no se parece a ninguna de ellas. Como siempre, la piedra angular sobre la que se apoya todo es un gran guión, que te engancha desde el principio, amén a unos diálogos geniales y unos personajes muy bien desarrollados. Como también es costumbre, la fotografía y la acertadísima selección musical acompañan perfectamente. Y no falta su humor negro (nunca mejor dicho) que incluso tocando temas que no son graciosos, hace que nos partamos de risa. Tarantino en estado puro.

   Interpretación: No es un secreto que las películas de Tarantino dan para grandes interpretaciones. Ésta no es una excepción. Me ha gustado bastante Leonardo Dicaprio en su papel de malo, un actor de sobradísimo talento al que la Academia de Hollywood sigue negándole el reconocimiento. Impagables están Christoph Waltz y Samuel L. Jackson rozando la perfección en sus respectivas actuaciones. Jamie Foxx, sin embargo, está solo correcto. Lo hace bien pero claro, el listón de sus acompañantes está tan alto que hace que su trabajo sea menos destacado.

   Escena (spoiler): Hay para dar y tomar. La escena con la que abre el film es toda una declaración de intenciones. Los tiroteos son impresionantes. Atención al detalle del efecto de la sangre que está hecho como se hacía antaño, nada de trucos digitales. Eso si, exageradísimos. El discurso de Dicaprio con la calavera es para enmarcar. Y me he partido, literalmente de risa con la escena de los sacos en la cabeza. Solo se le podía ocurrir a Quentin.

   LO PEOR: No soy reacio a que haya violencia en las películas y está claro que en este director es una constante, pero reconozco que ésta me ha parecido especialmente violenta. Igual se le ha ido la mano un poco en ese sentido. O igual no. Quizá fuera precisamente lo que quería. El caso es que hay ciertas escenas (pelea de negros, ataque perros, . . . ) que me han impactado bastante. Y, por cierto, la palabra “negro” es omnipresente en todos los diálogos. Se repite hasta la saciedad y machaca el término hasta la extenuación. Aunque creo que también ha sido a propósito.

   CITAS: “- He contado seis balas, negro. –He contado dos armas, negro”. “Django, la D es muda”.

   REFERENCIAS: Pues a quien le guste este director, la película no le va a defraudar porque la mejor referencia es cualquier ejemplo de su filmografía. Luego hay detalles que recuerdan a otros films clásicos. Hay un momento que incluso suena la música de “Dos mulas y una mujer”. Y el final es una mezcla de “Grupo salvaje” con “El precio del poder”. Pero, claro, a su forma.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Es un western pero al más puro estilo Tarantino.

 

 

 

Escenas Míticas: Tarantino - Reservoir Dogs

   Fue la opera prima del director. Triunfadora del Festival de Sundance (ya sabéis, festival de cine independiente). La hizo con muy pocos medios, como se puede comprobar durante su visionado (es más, creo que se la pagó Harvey Keitel - Señor Blanco). Sentaría las bases de su cine pues los gangsters y similares se convertirían en personajes recurrentes en sus argumentos y la generosa presencia de la sangre y la violencia, ya ni te cuento.

 

   Uno de los escenarios característicos de su filmografía son las cafeterías, pubs y restaurantes. Aquí vemos una muestra de la clase de diálogos que pueden darse en sus películas. Menuda parrafada se marca el Señor Rosa (Steve Buscemi) con el asunto de dejar propina o no a la camarera. Por cierto, que lo que se disponen a hacer después de terminar sus cafés es dar un golpe.

 



 

 

   Los actores que participan en sus películas deben de estarle bastante agradecidos, tanto los que ya eran conocidos aunque permanecieron olvidados (John Travolta, David Carradine) como los desconocidos. Ese era el caso de Tim Roth, al que dio un papel practicamente principal. Es evidente que la sangre es bastante protagonista de la escena (es lo que le ocurre a alguien al que le disparan, que sangra).



 

 

 

    La secuencia más famosa de la película y una de las más conocidas de su filmografía. Al son de la canción "Stuck in the middle with you", con Michael Madsen, caracterizado como Señor Rubio, que le cae como un guante. Fijáos que la escena es muy violenta, vamos que le están cortando la oreja a un tio, pues el tratamiento que se le da es jocoso y cómico. Es más, mientras realiza la operación, Madsen está bailando.

 



 

 

   Éste es el primer tiroteo de su repertorio. Si lo comparamos con el que veíamos la semana pasada en "Malditos bastardos" nos daremos cuenta que hay bastante similitud. Al menos en lo que respecta en el tiempo de la resolución del intercambio de disparos, que es prácticamente simultáneo. Por cierto, que este tipo de escenas en las que los personajes se apuntan entre si y se palpa la tensión son también muy del agrado de Tarantino.

  

Retreat (Aislados)

 

   FICHA TÉCNICA

Película: Aislados.

Título original: Retreat.

Dirección: Carl Tibbetts.

País: Reino Unido.

Año: 2011.

Género: Thriller.

Interpretación: Thandie Newton, Cillian Murphy, Jamie Bell.

Guión: Janice Hallett y Carl Tibbetts.

Producción: Gary Sinyor.

Música: Ilan Eshkeri.

Fotografía: Chris Seager.

Montaje: Jamie Trevill.

Vestuario: Louise Page.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una pareja decide pasar unos días de vacaciones en una isla remota para poder solucionar los problemas de su relación. Todo se trastoca cuando aparece un militar diciendo que hay un virus mortal que está matando a todo el mundo en el continente.

   LO MEJOR: El argumento es un constante juego con el espectador planteándole que es real y que no, quien lleva razón y si los actos llevados por los personajes son los correctos. De hecho, el dilema es saber si el tema de la pandemia mundial que Jamie Bell trae a la isla es la verdad o lo es solo en parte, o si, es todo la invención de un psicópata. Todo envuelto en una especie de calma tensa con un suspense creciente y bien conseguido. Además, es de esas que al final, aunque puedes esperártelo, te quedas sorprendido.

   Interpretación: Son tan solo tres interpretes. Tienen bastante mérito pues ellos solos son capaces de soportar sobre sus hombros todo el peso del film, sin artificios ni trucajes visuales. Thandie Newton está mejor de lo esperado, suyos son los momentos más intensos del guión; compartidos con el que creo que es un buen actor (y no solo por este título), Jamie Bell, que tiene el rol de “malo” de la peli.

   Escena (spoiler): La película no se caracteriza por escenas de acción o espectaculares, pero si de tensión. El momento en el que la apareja pretende escapar es bastante intenso. O cuando ella intenta quitarle la pistola a Jamie Bell. Y la escena en la que Cillian Murphy parece ponerse enfermo da un giro bastante sorprendente a la trama.

   LO PEOR: El ritmo es bastante lento. Es más, creo que es pretendidamente lento para crear ese clima de calma tensa del que hablaba y una atmósfera de claustrofobia, porque aunque se intente dar aire con algunos planos de exteriores naturales de la isla, la mayor parte de minutos y actos se da dentro de un único escenario que es la casa. Y claro, tan solo son tres actores los que aparecen en casi la totalidad del metraje.

   CITAS: “- Solo buscamos paz y tranquilidad. – Pues vais al sitio ideal”. “¿Cuánto hace que no te da lo que quieres?”.

   REFERENCIAS: Aquellas películas de muy pocos personajes encerrados en un mismo escenario con una situación complicada entre manos. Ejemplos como “The hole” o “Calma total” podrían ser orientativos de lo que va ésta.

   CONCLUSIÓN: 6. Buen suspense pero poco ritmo.